Toda forma carrega a marca do artista: gestualidade na crítica de arte brasileira contemporânea

A gestualidade presente na pintura gestual é frequentemente lida como fruto da descarga emocional do artista. Diante dessa leitura da crítica, tais obras são vistas pela associação da marca da gestualidade à ideia de uma atitude do artista comprometido com a arte. Neste artigo, proponho apresentar um comentário sobre esse discurso que funde artista e obra como um “lugar” da crítica de arte contemporânea no Brasil, sempre que esta é solicitada a enfrentar trabalhos que apresentam uma gestualidade evidente. Busco demonstrar ainda certas genealogias dessa leitura, amparada em ideias promovidas pelo romantismo, pelos expressionismos e pela action painting.

Poeta entre pintores

O ensaio trata da relação entre a obra poética de Frank O’Hara e a pintura, em especial com as vanguardas do expressionismo abstrato na cena artística da Nova York dos anos 1950 e 1960. O texto integra o terceiro capítulo do livro homônimo escrito pela crítica e ensaísta Marjorie Perloff, todavia inédito em língua portuguesa. Analisando as relações de O’Hara com artistas visuais no plano afetivo, intelectual, profissional e artístico, Perloff enfatiza as experimentações formais desse autor cuja poesia foi diretamente influenciada pela action painting, pelo happening e pela sua atuação como crítico e curador do MOMA. O ensaio apresenta ainda duas colaborações artísticas de O’Hara com os pintores Larry Rivers e Norman Bluhm, que Perloff denomina poemapinturas, dado o entrelugar formal que os caracteriza, poeta e pintor agindo simultaneamente sobre uma mesma superfície. Poesia e pintura revelam-se, na obra de O’Hara, partes de uma mesma matéria vivente. (Resumo e palavras-chave elaborados pelos tradutores).

Um artista da fome, o consumo e a guerrilha publicitária

A guerrilha publicitária é um conjunto de estratégias e táticas de comunicação a serviço da publicidade de marcas locais e globais. Entre elas, destaca-se o street marketing, a emboscada, a brand installation, o happening, a action painting. Com a expansão da www, e visando ampliar seu impacto junto a um público maior, as ações desse tipo passaram a ser filmadas e espalhadas pela internet em forma de videorrelato. Objetivamos investigar aspectos da produção e do consumo do discurso das marcas em ações contemporâneas de guerrilha publicitária, a partir do conto Um artista da fome, de Franz Kafka. Para isso, trabalharemos com conceitos da teoria literária e da retórica publicitária.

Merleau-Ponty e Cézanne

The aim of this article is to demonstrate the intrinsically technical nature of visual perception and pictorial performance through their common anchorage in the corporeity that brings them into existence. As with any other artistic technique, painting reveals itself to be the natural extension of a technological attitude already rooted in the sensorimotor devices of the body in action; painting is led to inhabit a world that is of the same nature as corporeal agents, because the objects that populate it share with it the ontological element of the “flesh”. Through Merleau-Ponty’s analyses of Cezanne’s pictorial works, I demonstrate that the main purpose of painting is, analogically with the descriptive analyses made possible by the phenomenological reduction, to render intersubjectively evident the hidden work of vision before its sedimentation in an accomplished perceptual scene. As the experiments of contemporary neuroscience also demonstrate, perception is by and large a reconstructive process of “image-making” rather than an allegedly accurate reproduction of the spectacle of the world. Painting, on the other hand, both in terms of creation and for the observer, employs the same sensorimotor resources as instruments.

Exhaustion of Possibilities: Harold Rosenberg, John Barth and Susan Sontag

The chapter examines dominant postmodernist structures of feeling with respect to their internal contradiction. If its declared assent to the mode of exhaustion of aesthetic possibilities, articulated in its penchant for self-referentiality, intertextuality, and metafiction, gives an impression of a full-fledged embracement of doing nothing, this insight might actually be misleading. A careful look at postmodern manifestos – by Harold Rosenberg, John Barth and Susan Sontag – suggests that the appropriation of the limit-trope of doing nothing as postmodernism’s very own is in fact artificial. Rather than realizing the counter-normative potential of the trope of doing nothing, The chapter argues that the dominant postmodern rhetoric nullifies it by rephrasing productivity in terms of hyper-productivity and hyper-engagement. In Harold Rosenberg’s theory of Action Painting and John Barth’s notion of ultra-productive weariness with tradition, for example, modes of inactivity such as passivity or disinterest are revitalized as modes of heightened cognition. Thus, rather than inaugurating a “new” representational and ethical regime, postmodern manifestos are quite reactionary in that reiterate the ideologically troublesome Romantic notion of the artist’s active role in the process of artistic production.

Ese efímero objeto de deseo: happening y arte en acción en De donde son los cantantes, de Severo Sarduy

Este artículo analiza la incorporación crítica de las experimentaciones estéticas del action painting y del happening en De donde son los cantantes como estrategia de disidencia frente a la concepción de la literatura comprometida. Concebir la novela como “evento” en el que confluyen diversas materialidades y temporalidades, me lleva a proponer la existencia de un diálogo con la estética del happening. Sugiero que al incorporar los debates críticos sobre la naturaleza y el rol del arte en la sociedad de los años sesenta, De donde son los cantantes se propone como arte en acción enfatizando la potencialidad del lenguaje para generar placer y requerir que el lector participe en la creación del sentido.