La reinterpretación del texto en la pantalla: «Nazarín» de Benito Pérez Galdós en el imaginario de Luis Buñuel

Benito Pérez Galdós fue una referencia fundamental en el cine de Luis Buñuel. Pese a que el insular no le interesó demasiado en su juventud y aparece tardíamente en su imaginario fue el escritor que más veces adaptó a la gran pantalla. Nazarín y Tristana supusieron trasvases de sus novelas homónimas mientras que en Los olvidados y Viridiana existían ecos de Halma y La desheredada, por lo que la obra de Pérez Galdós configura un elemento diferenciador en su filmografía. Nazarín fue uno de los filmes más controvertidos de Buñuel ya que trataba sobre la imposibilidad de seguir los preceptos cristianos sin convertirse en un agitador. Lo relevante de la película es su ambivalencia y el marco hermenéutico que proponía ya que el cineasta se apropiaba de la obra y la interpretaba según su particular mirada.Este trabajo analiza la influencia del imaginario galdosiano en Buñuel a través de la adaptación de Nazarín así como su predominio en otras películas del director en la época mexicana. A través de una revisión bibliográfica, hemerográfica y audiovisual, planteamos los nexos y variaciones que realizó Buñuel sobre el argumento original concluyendo que el escritor canario no solo es fundamental en el universo cinematográfico sino también en la filosofía última del director aragonés.

Cuerpo y surrealismo: sobre el quiasmo en La tortuga ecuestre de César Moro y Un perro andaluz de Luis Buñuel

Este ensayo tiene como objetivo explorar cómo el poemario La tortuga ecuestre de César Moro, escrito entre 1938 y 1939, y el cortometraje Un perro andaluz de Luis Buñuel, que vio la luz en el año 1929, dos obras emblemáticas de la vanguardia surrealista, abordaron la representación icónica del cuerpo. Este fenómeno es analizado, por un lado, desde la perspectiva del quiasmo hallada en la obra del filósofo Maurice Merleau-Ponty; y, por otro, desde las semióticas generativa (Algirdas Julien Greimas y Joseph Courtés) y tensiva (Jacques Fontanille y Claude Zilberberg). La conclusión a la que se llega es que dichas obras confirman que el discurso surrealista en la poesía y el cine toma a través de la iconicidad una conciencia del quiasmo al enfocar el cuerpo y el mundo como una sola entidad, de modo íntegro y unitario.

Complicating Articulation in Art Cinema

Complicating Articulation in Art Cinema argues that art cinema, unlike classical film, draws attention to its disjointed, multi-parted form, but that criticism has too frequently sought to explain this complexity away by stitching the parts together in totalizing readings. This stitching together has often relied on the assumption that complicated character explains articulated form and that the solution to art cinema’s puzzles lies in interpreting each film as the expression of a focalizing character’s internal disturbance. This book challenges this assumption. It argues that the attempt to explain formal complexity through this character-centric approach reduces formal achievements and enigmatic characters to inadequate approximations of one another. Reference to character cannot fully tame unschematic and unpredictable combinations of—and collisions between—contradictory levels of narration, clashing styles, discontinuously edited shots, jarring allusions, dislocated genre signifiers, and intermedial elements. Through close analyses of films by Roberto Rossellini, Robert Bresson, Luis Buñuel, Terence Davies, Peter Greenaway, and Kelly Reichardt, Complicating Articulation in Art Cinema offers an ethics of criticism that suggests that the politics of art cinema’s eccentric form are limited by character-centred readings. Each of the featured films presents inarticulate or muted characters, whose emotional and intellectual lives are unknowable, further complicating the relationship between character and form. This book argues that, by acknowledging this resistance to interpretation, critics can think in new ways about art cinema’s interrogation of the possibilities of knowledge.

Entre Historia y Literatura: las visiones cinematográficas galdosianas

En este artículo se analizará la obra de Benito Pérez Galdós adaptada al cine nacional y extranjero hasta nuestros días. Así mismo, también se reflexiona sobre la influencia del literato en la personal obra de Luis Buñuel, especialmente en aquellas películas basadas en sus obras. Este recorrido pretende vincular también la incidencia de Galdós en la cinematografía con el propio devenir de la historia española. De este modo, en las siguientes páginas se hace referencia a la presencia y ausencia de sus obras adaptadas en las diferentes etapas de la historia del cine y su relación con las diferentes circunstancias políticas.

Una imposible inocencia: La mort en ce jardin (1956) de Luis Buñuel

La mort en ce jardin (1956)/ La muerte en el jardín (1960) es habitualmente considerada una de las películas ‘menores’ de Luis Buñuel. En el presente trabajo reevalúo su significación ofreciendo una lectura paradigmática que la relaciona con el clásico surrealista de 1930 L’Âge d’or/ La edad de oro. La tesis que propongo es que Buñuel está contando la misma historia en ambas películas: una historia que trata de la búsqueda de orígenes e inocencia. La diferencia que deseo subrayar entre ellas, es contextual. Mientras la primera responde al optimismo revolucionario de los años treinta, cuando se afianza la revolución surrealista, la segunda, en cambio, es deudora del pesimismo que invade el pensamiento occidental después de la segunda guerra mundial, una vez que las atrocidades cometidas druante al guerra salieron a la luz pública. En ese contexto, La muerte en el jardín es una película sobre la imposibilidad de inocencia.

La Coupure et la paranoïa de l’acte meurtrier. Entre Altman et Buñuel

"The Cut and the Paranoia of the Killing Act. Between Altman and Buñuel. This paper aims to explore the psychoanalytic roots and affinities in Robert Altman and Luis Buñuel with respect to the mechanisms of the constitution of the subject. More specifically, I approach the function of the cut as both a mark of the subject and within a so-called paranoid act. Thus, in a Lacanian interpretation, the cut involves topology, the relation with the object, separation and alienation and, ultimately, the pure loss. Key words: cut, act, paranoia, killing, Altman, Buñuel."

Three Films by Luis Buñuel

The Discreet Charm of the Bourgeoisie (1972)FranceDirector Luis BuñuelRuntime 101 minutesThe Phantom of Liberty (1974)FranceDirector Luis BuñuelRuntime 103 minutes <p/> That Obscure Object of Desire (1977)FranceDirector Luis BuñuelRuntime 104 minutes <p/> Blu-rayUSA, 2021Distributed by The Criterion Collection (region A)

La La determinación social de la imagen cinemática en el arte de la Primera Vanguardia. Gerardo Diego y Joris Ivens, un caso de analogía fílmico-poética

El presente artículo señala la determinación social de la imagen cinemática como causa directa de la analogía entre las diferentes artes durante el periodo de la Primera Vanguardia. En particular, se profundiza en la reciprocidad expresiva del Cine y la Poesía Nueva que confirman numerosas aportaciones teóricas y prácticas, como las del poeta ultraísta Guillermo de Torre o las del cineasta surrealista Luis Buñuel. Asimismo, se demuestra la conveniencia de aplicar los conceptos de cine-ojo (1919) y cine-verdad (1922), del director ruso Dziga Vértov, y el de cine mental (1989), del escritor italiano Italo Calvino para explicar los fundamentos estéticos y poiéticos de esta ósmosis, que la lectura comparada final del poema creacionista “Lluvia” del español Gerardo Diego y la película homónima del holandés Joris Ivens demuestra.

El deseo de matar en la novela y el filme Ensayo de un crimen

El tema central de la novela (1944) y de la película (1955) Ensayo de un crimen de Rodolfo Usigli y de Luis Buñuel, respectivamente, es el asesinato artístico. El objetivo de este ensayo es analizar el desplazamiento de las estrategias narrativas de la novela al filme. El contexto recreado en las dos obras es la época posrevolucionaria mexicana. La metodología de análisis para el estudio de las relaciones espacio temporales, las significaciones y el estilo se establece con base en el concepto cronotopo (tiempo-espacio) de Mijaíl Bajtín y las categorías: orden, duración y frecuencia de Gerard Genette. Los resultados del estudio evidencian, entre otras cosas, que en la película, la representación simbólica de las pulsiones criminales,mediante los objetos, enfatiza el origen psicológico del crimen, atribuido a las relaciones edípicas irresueltas de los personajes. En la novela se puntualiza en que las causas del crimen tienen, también, rasgos de carácter social.