scholarly journals Table ronde de 1963, journées des 16, 18 et 23 juillet

2010 ◽  
Vol 15 (3) ◽  
pp. 23-52
Author(s):  
Marc Chenard ◽  
Jean-Jacques Nattiez
Keyword(s):  
Luciano Berio ◽  
Pierre Boulez

Transcription inédite de trois tables rondes ayant eu lieu à Darmstadt en juillet 1963, dont les intervenants étaient Luciano Berio, Pierre Boulez et Henri Pousseur. Chaque compositeur annonce les thèmes qu’il va aborder dans le cadre de ses cours. En débattant entre eux et en répondant aux questions de la salle, ces trois compositeurs abordent des questions fondamentales telles celles du métier, de la technique, du geste, du langage et de la syntaxe, de la forme, et de l’esthétique. Au-delà des réponses provisoires qu’ils avancent, cette transcription offre une vue sur le fonctionnement ordinaire du débat esthétique et technique à Darmstadt vers la fin de la période qu’on pourrait nommer « héroïque » — avec ses enjeux idéologiques, ses rivalités et avec sa façon toute particulière de déterminer les problèmes de la création musicale contemporaine.

Modernists

2017 ◽  
Author(s):  
James Wierzbicki
Keyword(s):  
New Music ◽  
Luciano Berio ◽  
Karlheinz Stockhausen ◽  
Postwar America ◽  
Perceived Need ◽  
Pierre Boulez ◽  
European Civilization

This chapter demonstrates how when it comes to modernism in postwar America, the most influential European composers were the Frenchman Pierre Boulez, the Italians Luciano Berio and Luigi Nono, and the German Karlheinz Stockhausen. Being born between 1924 and 1928, all of them had seen their homelands torn by the clash of Allied and Axis forces, and they had been personally shaken by the violence that nearly brought the whole of European civilization crashing down around them. The Americans were slower to respond to the perceived need for a drastically new music than were the Europeans, and when their response did come it was not so blatantly confrontational. Although many of the American modernists also had personal wartime experiences as horrific as those of their European contemporaries, the heritage with which they had grown up was never so direly threatened as had been that of Europe.

Berio’s Duetti per due violini: An introduction

2021 ◽  
Vol 62 (1-2) ◽  
pp. 175-184
Keyword(s):  
Twentieth Century ◽  
Bela Bartok ◽  
Luciano Berio ◽  
Specific Technique ◽  
Pierre Boulez ◽  
Twentieth Century Music

Abstract This article is the summary of a workshop on the violin duets of Béla Bartók and Luciano Berio, and the pedagogical implications of the works. Bartók’s Forty-Four Duos are based on folk melodies, and in this workshop, we explored how the text of certain melodies are recreated using tone-painting in the music. Luciano Berio’s 34 Duetti were inspired by the Duos of Bartók, and each duet focuses on a specific technique or concept in twentieth-century music. Like Bartók did with his Duos, Berio also intended his pieces to be performed by children as well as professionals. In addition, Berio’s duets are each inspired by a person, story, or event. All duets refer to a person with their surname, including Béla [Bartók] (no. 1), Pierre [Boulez] (no. 14), Edoardo [Sanguinetti] (no. 20), Vinko [Globokar] (no. 22), Igor [Stravinky] (no. 28) or Lorin [Maazel] (no. 33). In this workshop we explored how Berio recreates these inspirations in his music.

Gotteskinder und Störenfriede - Das Spiel und die Weisheit begnadeter Musiker

2020 ◽  
Author(s):  
Felix Schmidt
Keyword(s):  
Pierre Boulez

<P>Felix Schmidt ist vielen Musikern, Dirigenten und Komponisten so nahe gekommen wie kaum ein anderer Journalist. Er trank Wodka mit Mstislaw Rostropowitsch, fütterte mit Glenn Gould einen verlassenen Hund in Toronto und führte das letzte Interview mit Paul Sacher vor dessen Tod. Schmidts Gespräch mit Pierre Boulez, das 1967 unter dem Titel <EM>Sprengt die Opernhäuser in die Luft</EM> erschien, versetzte die Musikwelt in Aufruhr und wurde 30 Jahre später zum Anlass eines polizeilichen Verhörs.</P> <P>In diesem Buch sind ausgewählte persönliche Interviews und treffende Porträts versammelt, die einmalige Einblicke hinter die Kulissen der Musikwelt geben. Schmidt zeichnet ein Gesamtbild der Neuen Musik in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und macht sichtbar, was dem Konzertbesucher sonst verborgen bleibt. </P>

scholarly journals Le concept de théâtre musical en Italie

2015 ◽  
Vol 8 (1) ◽  
Author(s):  
Francesca Guerrasio
Keyword(s):  
Luciano Berio

La notion de « théâtre musical » dans la seconde moitié du xxe siècle, attire l’attention de nombreux compositeurs en Europe. En Italie, l’intérêt pour le théâtre musical se manifeste au cœur de la production et de la réflexion musicales d’avant-garde dans les années soixante. Des compositeurs tels Luigi Nono, Luciano Berio, Salvatore Sciarrino (pour n’en citer que trois) possèdent la volonté de reconstruire le monde musical autour d’une nouvelle approche créative indifférente au scandale, qui mette en lumière la richesse qu’une telle expérience peut apporter, et la volonté communicative qui en résulte. L’absence d’interventions communicatives, des esthétiques arides et des exécutions monotones sont le résultat d’une approche pseudo-scientifique de la musique fondée sur des analyses stériles et sur des calculs mathématiques. Il est nécessaire, pour ces compositeurs, de « communiquer » à l’aide d’un discours qui doit être porteur d’un sens, d’une familiarité, d’une connaissance, d’un amour : d’un rapport affectif et émotionnel touchant à tous les protagonistes/récepteurs d’un tel langage. L’exploration du coté inexploré de l’expérience musicale est à la base d’un renouvellement essentiel de formes de théâtre considérées comme traditionnelles et révolues (comme l’opéra lyrique).

scholarly journals Procedimentos Estruturais na Peça A Twilight's Song de Matthias Pintscher

Per Musi ◽  
2020 ◽  
pp. 1-19
Author(s):  
Levy Oliveira ◽  
João Pedro Oliveira
Keyword(s):  
Pierre Boulez

Este trabalho visa analisar os procedimentos estruturais da peça A Twilight’s Song do compositor alemão Matthias Pintscher. A análise terá enfoque em três aspectos: desenvolvimento motívico, articulação global da forma e exploração tímbrica. Utilizando como referência bibliográfica textos de Steve McAdams, Kaija Saariaho, Panayiotis Kokoras e o filme A Lesson by Pierre Boulez, almeja-se descobrir quais técnicas foram utilizadas pelo compositor para alcançar a plenitude formal da obra.

scholarly journals Processos de indeterminação em Acronon de H. J. Koellreutter

Ouvirouver ◽  
2019 ◽  
Vol 15 (1) ◽  
pp. 206-218
Author(s):  
Isabela Martins Bonafe
Keyword(s):  
John Cage ◽  
Piano Solo ◽  
Pierre Boulez

O presente trabalho propõe a análise da peça Acronon, do maestro e compositor Hans Joachim Koellreutter, com base nas estéticas da indeterminação dos compositores John Cage e Pierre Boulez. Ambas as estéticas do século XX divergem a terminologia em significado, porém ainda sim é possível encontrá-las no processo de criação da peça para piano solo, Acronon. Buscar-se-á demonstrar como tais estéticas, por vezes divergentes, convergem na obra de Koellreutter, Acronon, por meio da análise e estudos a cerca do indeterminismo e serialismo de John Cage e Pierre Boulez.

scholarly journals Pierre Boulez and Heinz Holliger: on the problem of transformation of a musical language

2020 ◽  
pp. 27-37
Author(s):  
Nadezhda Andreevna Petruseva
Keyword(s):  
Comparative Analysis ◽  
Music Perception ◽  
Comprehensive Approach ◽  
Cultural Authority ◽  
Musical Language ◽  
Pierre Boulez ◽  
Research Material ◽  
Solo Music ◽  
History Of ◽  
First Time

The article focuses on the problem of transformation of a musical language, the correlation between an esthetic guideline, an invention, a composition technique and a language. The author describes the two strategies of life and work of Pierre Boulez which allowed him to gain significant cultural authority, and enumerates the persons who had influenced Boulez&rsquo;s esthetics. In a broad esthetic and philosophical context, the author shows the turn from the technique to the language in esthetical and theoretical texts of Pierre Boulez; describes the three concepts of the language, the period of synthesis following the period of rejection, and Boulez&rsquo;s concerns about the problems of music perception. In the context of Boulez&rsquo;s thesis about the unity of an invention, a technique and a language, the author considers the piece for viola &ldquo;Trema&rdquo; (1981) by Heinz Holliger, Boulez&rsquo;s adherent. The author uses a comprehensive approach as a combination of elements of comparative analysis, musical phenomenology (focusing of mind on music structures), and hermeneutics (the process of understanding, interpreting). The research material is of a methodical importance for modern educational courses of theory and history of music. The author arrives at the conclusion that Boulez, as well as Kant, directs the concept of art towards Aristotle's category of &ldquo;poiesis&rdquo; as &ldquo;craft and creation&rdquo;; focuses on the overcoming of the esthetics of rejection (preceding the classic-romantic tradition) in Boulez&rsquo;s turn to the period of &ldquo;synthesis&rdquo; which includes not only the turn from a technique to a language, but also electroacoustic &ldquo;sound manufacturing&rdquo;.&nbsp; The following aspects of Hollinger&rsquo;s &ldquo;Trema&rdquo; are considered for the first time: the idea, the principles of new solo music, the new technique. The author arrives at the conclusion about &ldquo;Trema&rdquo; belonging to the &ldquo;multilayered music epoch&rdquo; and that radical rethinking of a musical language sharpens communication.&nbsp; &nbsp;

scholarly journals Luciano Berio, restaurador: análise de Rendering per orchestra (1988-90)

Ouvirouver ◽  
2019 ◽  
Vol 15 (1) ◽  
pp. 172-190
Author(s):  
Paulo Agenor Miranda
Keyword(s):  
Luciano Berio

Em Rendering, Berio propôs-se restaurar os esboços da décima sinfonia que ocupou Schubert em suas últimas semanas de vida. Este artigo investiga sua atuação sobre o texto musical schubertiano, desvelando o profícuo engajamento do compositor italiano com as vanguardas artísticas do século XX e, ao mesmo tempo, seu diálogo com importantes realizações da tradição musical. Evitando uma intervenção fantasiosa, a obra orienta-se pelas "linhas da restauração moderna de afrescos que visam reviver as cores antigas sem, contudo, disfarçar o dano causado pelo tempo" (BERIO, 1989). A hipótese norteadora é que os procedimentos escriturais adotados por Berio são implicitamente engajados nos preceitos da Teoria da Restauração (1963) de Cesare Brandi, ícone do restauro crítico italiano. As análises das estratégias composicionais do primeiro movimento de Rendering esclarecem, de um lado, o trabalho sobre a orquestração e contraponto visando reviver as cores de Schubert e, de outro, a intervenção sobre as lacunas entre os fragmentos através de uma argamassa musical tipicamente beriana.

scholarly journals Música e voz para além do som

2015 ◽  
pp. 149
Author(s):  
Annita Costa Malufe ◽  
Silvio Ferraz
Keyword(s):  
Samuel Beckett ◽  
Luciano Berio ◽  
Georges Aperghis

<p>O presente artigo busca, a partir daquilo que o compositor Luciano Berio chamou de "musicalidade presente nas livres partículas" e do estudo da trajetória do conceito de escuta, e consequentemente de música, ao longo do século XX, evidenciar um tipo de musicalidade que estaria presente em certos modos de manifestação da literatura. Para tanto, toma por ponto de partida as propostas da música concreta e do serialismo integral, experiências radicais da música no séc. XX, como base para a leitura das poéticas de Samuel Beckett, Christophe Tarkos e Georges Aperghis. Os três autores são tomados aqui como momentos distintos, que perfazem as décadas de 1970, 80 e 90, da produção poética em sua relação direta com a arte da performance. Em cada um desses casos, tem-se diferentes modulações do trabalho com a voz, ainda que em todos possamos arriscar a presença de um traço comum: a leitura do texto que se abre à sua materialidade acústica e temporal. Tal aspecto é evidenciado pela ciclicidade com que suas escritas se valem, realçando a ideia de uma musicalidade que não se reduz à sonoridade ou ao ritmo das palavras, mas à palavra em sua completude, inserida em um campo aberto de significados, sonoridades, métrica, imagens etc. Propomos assim observar a potência vocal que atravessa a poesia, imaginando um movimento de mão dupla, de mútua interferência entre as invenções da música e da poesia no séc. XX, aquela capacidade de dizer algo - seja com palavras ou outros sons - não enunciável pelo discurso, mas pelo embate livre entre palavras, fonemas, frases.</p>

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